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Rocío Dúrcal - Como Tu Mujer

"Como Tu Mujer" es un álbum de estudio de la cantante española Rocío Dúrca , escrito y producido por el cantautor mexicano Marco Antonio Solís, lanzado al mercado el 29 de octubre de 1988 por BMG AriolaÉste sería el primer álbum realizado por Solís para la cantante.

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Debido a los problemas legales que tenía el cantautor mexicano Juan Gabriel con su casa disquera, la intérprete no podía seguir grabando sus canciones como era costumbre entre los dos artistas en sus anteriores trabajos musicales, de este modo el integrante de Los Bukis en ese entonces, le ofrece a la cantante un par de canciones, aceptando de inmediato su colaboración para la producción de este disco. 

Su primer sencillo en publicarse "Como Tu Mujer" se convierte en gran éxito en toda Latinoamérica y Estados Unidos, posesionándose rápidamente en el número 1 durante 10 semanas consecutivas en la importante lista musical Hot Latin Tracks, de esta manera se consideró número 1 del año (1989) según la revista Billboard, igualmente considerándose uno de los singles más importantes dentro de la carrera discográfica de Rocío Dúrcal. 

Posteriormente se lanza los sencillos "Que esperabas de mí", '"Por Qué Tanta Soledad", "Extrañándote", "El Amor Más Bonito" y "Ya Te Olvidé" llegando asimismo a los primeros lugares en la lista musical Hot Latin Tracks.



Texto: Wikipedia

Men At Work - Who Can It Be Now?

¿Quién puede ser ahora? "¿Quién Puede Ser Ahora?" Es una canción Grabada por la banda australiana Men at Work. Primero FUE Lanzado Como única en Australia en junio de 1981, los antes de la Grabación de su álbum de debut en 1981 Como Hasta Ahora, en el Que se Incluyó Más tarde la pista. 

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"¿Quién Puede Ser Ahora?" Llegado un ningún. 2 en Los Sencillos australianos gráfico en agosto de ESE Año, y también un afecto Ninguna. 45 en Nueva Zelanda. Lanzado en Canadá A Principios de 1982, la pista Alcanzó El Puesto que no. 8 a los finales de julio. Esto! Estímulo la Liberación de América de la canción, y el sencillo, por ahora Más De Un año de Edad, Paso a golpear N ° 1 en los EE.UU. en octubre de 1982.

"¿Quién Puede Ser Ahora?" Fue Un Éxito también modesto en el Reino Unido, Alcanzando no. 45. Como uno de los Hombres de los mayores Éxitos de Trabajo, Que se presento En sus posteriores Albumes de compilación, y Una versión en vivo se pueden ENCONTRAR enBrasil. La canción Sigue Siendo ONU Símbolo populares de la nueva ola de Música y ha aparecido en numerosas 1980compilaciones. La banda Realizo Tanto la Canción y "Down Under" en vivo en el mismo Programa Saturday Night Live el 23 de octubre de 1982.

"¿Quién Puede Ser Ahora?" FUE Inspirada por Colin Hay Haber Sido perseguido por los Colectores de Cuenta de los antes Hacer algo grande. Las Letras Cuentan el relato de un hombre solitario y paranoico Que oye tocar un su puerta de la casa y DESEA Ser Dejado en soledad. Se menciona la Presencia de la ONU "Amigo de la Infancia", y Los Puentes letras dan la impresión de Que El narrador Una Vez Más teme Ser Llevado A una Institución mental. Musicalmente, La canción Cuenta con Prominentes saxofón Líneas proporcionadas por Greg Ham y Un ritmo de medio tiempo. Sus voces del Coro, Que conforman el título de la canción, la melodía Cuentan con Una Que se Repite un Través de saxofón En Una Llamada y Respuesta de la Moda. El Segundo coro empuja Las Letras de ansiedad Más y se vuelve un ras de armonía vocal.




Fuente texto: wikipedia

The Winner Takes It All - ABBA

The Winner Takes It All —en español: «Va todo al ganador» o más literal «El Ganador lo Toma Todo»— es un single; interpretado por el grupo sueco ABBA en su séptimo álbum Super Trouper, por Meryl Streep en Mamma Mia!(2008) o por Il Divo en su quinto álbum The Promise (2008).También fue cantada por la actriz Jane Lynch y el actor y cantante Matthew Morrison en la sexta y última temporadade la serie de televisión Glee.

Fue escrita por Benny y Björn. Según los rumores, Björn compuso la letra en menos de 2 horas, siendo la canción que más rápido se completó de ABBA. Fue grabada el 6 de junio de 1980, en los estudios de Polar Music, llamada primeramente "The Story Of My Life I, II y III". La letra de la canción habla sobre una mujer que le reclama a su pareja el por qué de su abandono. Este tema viene incluido en el álbum Super Trouper, como la pista número 2.

La canción, para muchos, está inspirada en el divorcio de Björn y Agnetha, ocurrido el año anterior. Björn ha negado muchas veces esto diciendo: en nuestro divorcio no hubo ningún ganador. Además, la letra y música de la canción muestran que la música del grupo maduraba, y que a comparación de otras canciones que hablan de separaciones (como "Knowing Me, Knowing You" y "Mamma Mia"), "The Winner Takes It All" era una canción más triste y dramática.




Fuente: Wikipedia

Phil Collins - Another Day In Paradise

"Another Day in Paradise" es una canción de Phil Collins lanzada como el primer sencillo de su álbum ...But Seriously (1989). 

Al igual que la canción de Genesis "Man On The Corner", "Another Day in Paradise" fue escrita para resaltar el problema de las personas sin hogar, por lo tanto, marcó un salto significativo de la música dance-pop de su álbum anterior, No Jacket Required (1985). 

La canción tuvo mucho éxito alrededor del mundo y se convirtió en la más exitosa de Phil Collins. En 1991, le valió a él y al productor Hugh Padgham el Premio Grammy a la Grabación del año. La canción también ganó el premio a la Mejor Canción Británica en los Brit Awards de 1990.

La versión de Collins está ubicada en el puesto número 86 en el ránking de las mejores canciones de todos los tiempos elaborado por Billboard.



Texto de Wikipedia

20 documentales sobre música en Netflix

La oferta de la popular plataforma de SVOD sobre cantantes y personajes ligados al rubro es amplia y muy variada: aquí un repaso que va desde Frank Sinatra a Daniel Johnston, pasando por Kurt Cobain, Joe Strummer, Andy Summers, Nina Simone, Keith Richards, Snoop Dogg, Beyoncé y Amy Winehouse.



Nuestra lista arranca con dos títulos que ya recomendamos en esta sección:

1- Amy

2- What Happened, Miss Simone?


Ahora sí vamos con el resto de los documentales:

3- Supermensch: The Legend of Shep Gordon (2012), de Beth Gala y Mike Myers. ¿Puede la historia de un agente, de un representante de artistas resultar apasionante? Si se trata de Shep Gordon, sí. A partir de su vida, sus amigos y sus anécdotas se repasan cuatro décadas de show-business de manera impiadosa, tragicómica e irresistible. Basta decir que fue responsable de buena parte de las carreras de, entre otros, Alice Cooper, Blondie, Pink Floyd y amigo de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison. Sí, sexo, drogas y rocanrol.

4- The Devil vs. Daniel Johnston (2005), de Jeff Feuerzeig. Notable incursión en la vida y el arte, en los traumas, la locura y la genialidad creativa de este músico insoslayable e influyente como pocos. Premiado en Sundance.

5 y 6- Kurt Cobain por dos: Kurt & Courtney (1998), de Nick Broomfield; y All Apologies: Kurt Cobain 10 Years On (2006), de Jon Brewer. Dos producciones británica con aciertos parciales, pero -claro- con uno de los artistas más esenciales, contradictorios y fascinantes del rock de los años '80 y '90.

7- Can't Stand Losing You: Surviving The Police (2012), de Andy Grieve y Lauren Lazin. One Train Later, las memorias del guitarrista Andy Summers, son el eje de este trabajo que reconstruye la historia de la escena psicodélica de los años '60 con The Animals, que llevó luego al surgimiento del trío con Stewart Copeland y Sting que hizo historia en los '80.

8- Keith Richards: Under the Influence (2015), de Morgan Neville. El director de Best of Enemies, Brian Wilson: A Beach Boy's Tale y Johnny Cash's America consiguió un retrato íntimo e inteligente sobre el más mítico de los Stones.

9- Joe Strummer: The Future is Unwritten (2007), de Julien Temple. Un maestro del rockumental como el londinense Temple narra la historia de este artista brillante antes, durante y después del boom de esa banda monumental que fue The Clash.

10- The Other One: The Long Strange Trip of Bob Weir (2014), de Mike Fleiss. La increible historia de Robert Hall “Bob” Weir, uno de los fundadores junto a Jerry Garcia de esa banda de inmensa popularidad en los Estados Unidos llamada The Grateful Dead.

11- Sinatra: All or Nothing at All (2015), de Alex Gibney. Miniserie de cuatro horas sobre este icono de la música popular dirigido por el realizador de Freakonomics, Gonzo: The Life and Work of Dr. Hunter S. Thompson, The Armstrong Lie y We Steal Secrets: The Story of WikiLeaks.

12- Don't Stop Believin': La historia increíble de Journey (2012), de Ramona S. Diaz. El insólito derrotero de Arnel Pineda, un filipino que pasó de cantar en clubes nocturnos a ser la voz de la legendaria banda de rock Journey en 2007 (en reemplazo de Steve Augeri).

13- History of the Eagles (2013), de Alison Ellwood. Miniserie que en más de tres horas repasa los grandes momentos de esta banda soft integrada, entre otros, por Don Henley y Glenn Frey.

14- Buena Vista Social Club (1999), de Wim Wenders. Un clásico del documental musical que se sumó al boom reivindicatorio de los ancianos cantantes de la denostada (por la Revolución) Vieja Trova Cubana con dirección del realizador alemán y con Ry Cooder como ideólogo.

15- Big Star: Nothing Can Hurt Me (2012), de Drew DeNicola. REM, The Replacements, Belle & Sebastian, Elliott Smith y Flaming Lips son algunos de los artistas influidos por Big Star, banda liderada por Alex Chilton y Chris Bell que no tuvo en la primera mitad de la década de 1970 el reconocimiento que merecía, pero que luego terminó siendo muy reivindicada. Este film habla de su fracaso “en vida” y su éxito “póstumo”.

16- We Are Twisted Fucking Sister! (2014), de Andrew Horn. Esta banda neoyorquina de glam metal formada en los '70 y de gran éxito a principios de los '80 fue muchas veces ridiculizada, pero este simpático documental recupera su larga y agridulce historia.

17- Reincarnated (2012), de Andy Capper. La historia de la leyenda del hip hop Snoop Dogg y su viaje espirirtual a Jamaica y su coqueteo con el reggae.

18- Beyoncé: Life Is But a Dream (2013), de Ed Burke y Beyoncé Knowles. La película no está a la altura de la cantante. Un egotrip algo vacío, pero que sirve para comprender las dimensiones artísticas y comerciales de una artista no tan conocida en la Argentina, pero que con Jay Z constituyen probablemente la pareja más exitosa del show-business estadounidense.

19- The Secret Disco Revolution (2012), de Jamie Kastner. La era disco ha sido una de las más retratadas tanto desde el documental como desde la ficción. Este ensayo, sin ser gran cosa, tiene imágenes y música (de Donna Summer a The Village Voice, pasando por Arehta Franklin, Gloria Gaynor, Stevie Wonder, Kool & The Gang, Barry White, The Bee Gees, Chic, y KC & The Sunshine Band) que justifican su visión.

20- Biggie & Tupac (2002), de Nick Broomfield. Prolífico director de rockumentales (y de films más políticos), el británico Broomfield narra aquí el sangriento enfrentamiento entre las mafias del hip hop de las costas Este y Oeste que terminó con las muertes de The Notorious B.I.G. y Tupac Shakur en los años '90.

Fuera de la lista (como “bonus tracks”) los fans de las estrellas juveniles tienen a Katy Perry – Part of Me y Justin Bieber – Never Say Never. Para todos los gustos...

otroscines.com

Paul McCartney: "Yo soy lo más cercano a los Beatles que la gente va a oír"

El ex Beatle sigue más vigente que nunca: acaba de pasar por Argentina y en octubre liderará el histórico festival Desert Trip.



Fue aquí, asegura, en este mismo sitio. Entonces se llamaba Seattle Coliseum. Era el 25 de agosto de 1966 y los Beatles tocaron en dos pases, a las tres y a las ocho de la tarde. Melodie Adams-Forsstrom recuerda que los vio en el segundo. Ella tenía 14 años, y Paul McCartney, 24.

“Las chicas gritaban tanto que no se oía la música”. Lo cuenta mientras espera en esas mismas gradas en Seattle a que empiece a tocar McCartney el pasado 17 de abril, medio siglo después de aquel concierto. Lo ha visto seis veces a lo largo de una vida. En este tiempo, McCartney y ella han tenido hijos y se han hecho viejos. Pero ese acorde del arranque de A hard day’s night suena igual de desafiante.

Paul McCartney cumplirá 74 años el 18 de junio. En abril empezó una nueva gira por Estados Unidos y Europa, luego viajó hasta Argentina, con fechas en Córdoba y Buenos Aires, para luego volver a España esta semana, como antesala del festival Desert Trip que protagonizará en octubre en California, ese festín de leyendas donde también aparecen The Rolling Stones, Bob Dylan, Neil Young, The Who y Roger Waters.

Son tres horas de concierto de un músico en plena forma. El show, la experiencia de McCartney en directo, ha evolucionado hasta convertirse en una especie de celebración de una carrera. Mantiene el diálogo con la generación de Melodie, pero las gradas están llenas de sus hijos y sus nietos. El catálogo del que se nutre va desde antes de que se inventara el rock and roll hasta Rihanna. Es una carrera tan grande que cuando busca una canción para sorprender al público le sale, por ejemplo, A hard day’s night. Y se deja en el cajón otras 200 que podían valer igual.

“No la había tocado en 50 años. La ensayamos y, ya sabes, ese acorde del principio es muy icónico. A algunos en la banda se les puso la piel de gallina. Pensamos que, si abríamos el show con eso, al público le pasaría igual”. Lo dice Paul McCartney por teléfono el martes 19 de abril, desde el coche que le lleva del aeropuerto a un concierto en Vancouver.

En esta gira da la impresión de que McCartney piensa en términos de legado. Cualquier músico viviría de las rentas con haber firmado una sola canción del catálogo de los Beatles. El ha hecho más de 30 discos desde que se separaron, el último en 2013 (New). A pesar de que se mantiene activo como compositor, ya no se presenta ante el público diciendo: “Esto es lo nuevo que he hecho”. En este momento de su vida parece querer decir: “Esto es todo lo que he hecho, todo esto es McCartney”. Se trata de una obra inabarcable. Esta semana sale a la venta una recopilación de su obra después de los Beatles (Pure McCartney) y tiene 67 canciones. No hay ninguna selección posible de su repertorio que sea razonable ni justa, solo la que él decida hacer.

“Normalmente lo que hago es pensar: si yo fuera a este show, qué me gustaría oír”, responde McCartney cuando se le pregunta cómo destila su obra en una lista para un concierto. “Si voy a un concierto de los Rolling Stones, seguramente querré oír Satisfaction y Honky Tonk Women. Me hago esa pregunta sobre mí mismo: si yo fuera a un show de Paul McCartney, ¿qué querría oír? Ese es el principio de la lista y esas son las fijas”. La pregunta sugiere Yesterday, Hey Jude, Let it Be y otra docena. Por supuesto que están.

“Después pensamos en canciones que nos gusta tocar y que pensamos que podrían gustar. Luego van las que no hemos tocado antes, para darle novedad al show, las que no se han escuchado. Y por último buscamos canciones que nadie espera que toquemos. Esas vienen de lugares muy diversos. Por ejemplo, Temporary Secretary. No había pensado en ella en años, desde que salió. Me gusta, pero no la tenía en la cabeza. Alguien me dijo que hay un club en Brighton en el que el DJ se vuelve loco con ella. Eso despertó mi interés. Si es buena para él, también lo es para nosotros. Tuvimos que estudiar la manera de tocarla. La ensayamos y nos gustó. Al final, ese es el secreto, que te guste tocarla. Así se hace la lista”.

Más de la mitad de su espectáculo es de los Beatles. No siempre fue así. Después de la ruptura del grupo, en 1969, las carreras en solitario de sus miembros eludieron el inmenso catálogo de la banda. Paul McCartney, John Lennon y George Harrison tocaban sus composiciones nuevas, haciendo algunas pequeñas concesiones y solo con temas inequívocamente suyos. En los setenta, con todos los miembros del grupo vivos y dando conciertos, no había forma de escuchar en directo esas canciones. “No tocaba ninguna melodía de los Beatles porque queríamos consolidar Wings. Solo tocaba material de Wings. Pero una vez que teníamos un par de éxitos en la mochila y la gente nos conocía, que fue como en 1976, pensé: ‘Ahora ya puedo interpretar las canciones de los Beatles”.

Y entonces dejó de tocar. Desde la última gira de Wings, el grupo que formó junto a su esposa Linda, hasta la primera de Paul McCartney en solitario pasó una década. En 1989, de la mano del promotor Barrie Marshall, volvió con una gira mundial en la que se encuentra el origen del McCartney de hoy.

Parte de la emoción de ver a McCartney por aquel entonces era que podía ser la última oportunidad. “Sí, esa era una parte del asunto”, reconoce Barrie Marshall entre risas en su camerino, horas antes del concierto de Seattle. Resulta cómico 27 años después, pero entonces tenía todo el sentido.

Desde 1989, el espectáculo de McCartney ha evolucionado hasta abrazar el catálogo de los Beatles por completo. Entonces había muerto Lennon. En 2001 murió Harrison. Y este año acaba de fallecer George Martin. Él es el que mantiene la antorcha encendida, mientras queden fuerzas. Parte del show es un homenaje a los tres, reconoce Marshall.

En esta etapa de la carrera de McCartney ya no solo toca a los Beatles, sino también canciones de los otros componentes. En algún momento tomó la decisión de que le corresponde a él interpretarlas. “Al principio sobre todo tocaba las canciones que son mías en los discos”, dice McCartney. “Pero me di cuenta de que muchas canciones se escribieron a medias. Como Being for the Benefit of Mr. Kite, por ejemplo, se cree que es de John porque él es el que la canta en el disco, pero la escribimos juntos”.

En el escenario cuenta la anécdota de estar en casa de Lennon y sacar toda la letra de un póster que había en la pared sobre un espectáculo circense. “Tengo cierto derecho sobre estas melodías. Así que amplié la mirada hacia canciones que cantaban los otros. Sabes, si me gusta y me apetece tocarlas, yo soy lo más cercano a los Beatles que la gente va a oír”.

Ya nadie sabe cuál es la última oportunidad para escuchar las canciones de los Beatles tocadas por un Beatle. McCartney no muestra ni un signo de cansancio en el escenario.

Además de encontrarse bien, afortunadamente le sigue gustando. “Le encanta tocar”, dice Barrie Marshall. “Es el único que conozco que hace toda la prueba de sonido”. McCartney se presenta en el recinto que sea cuatro horas antes de empezar el concierto y toca más de media hora.

No solo controla la prueba de sonido. “Él es el director creativo y ejecutivo”, dice Marshall.

La formación que acompaña a McCartney (Paul Wickens, teclados; Rusty Anderson y Brian Ray, guitarras; Abe Laboriel, batería) es fija desde hace casi 15 años. En un repertorio que va desde 1958 hasta 2015, tocan cada canción exactamente como en los discos. La banda no las adapta a su forma de tocar, se adaptan ellos.

El efecto es emocionante en los temas de la primera mitad de los 60, que quizá no han sonado mejor desde que las interpretaron los Beatles. “Je, je, supongo, esperemos que sí”, responde McCartney. “En alguna ocasión intentamos la idea de hacer algo diferente de los arreglos originales. Pero entonces pensé: ‘Mira, los Beatles podían haber hecho ese arreglo diferente, pero elegimos hacerlas así’. A menos que se nos ocurra algo mejor, debemos ceñirnos a esos arreglos. Lo bueno es que como es un tipo de amplificación distinta, es grande y suena alto, le damos un sabor diferente. Hacemos pequeñas variaciones en algunas canciones. En las de los Beatles tratamos de reproducirlas fielmente”.

“Este tipo personifica la Historia con mayúsculas”, resume Barrie Marshall. “Nunca sabes cómo va a salir tu vida. Los de mi generación venimos de un momento muy emocionante de la música. Pasaban muchas cosas. Se escribieron muchas buenas canciones y muchas duraron. Así que ahora mola ser de esa generación”.

Venecia Sin Ti - Dyango

José Gómez Romero, conocido artísticamente como Dyango (Barcelona, 5 de marzo de 1940) es un cantante español de música romántica.

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Dyango nació el 5 de marzo de 1940, pero fue inscrito por su padre el 8 de mayo, y así figura como su fecha de nacimiento en los documentos oficiales. José Gómez Romero adoptó como nombre artístico Dyango (tomado del guitarrista de jazz gitano Django Reinhardt), por el cual se le conoce y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965). En su vida personal, el artista está casado y es padre de cuatro hijos, dos de los cuales son los cantantes Marcos Llunas y Jordi.

Dyango ha obtenido a lo largo de su carrera 55 discos de oro y 40 de platino. También ha grabado dúos con Pimpinela, Rocio Durcal, Paco de Lucia, Celia Cruz, Oscar D'León, Sheena Easton,Roberto Goyeneche, Jaume Aragall y Armando Manzanero.

Que C'est Triste Venise ( traducción literal Inglés : Que triste esta Venecia) es una canción escrita por Armenia - Francés artista Charles Aznavour y Françoise Dorin y cantada por Aznavour sobreVenecia . Fue grabado por primera vez en francés por Aznavour en 1964, y más tarde en español (Venecia Sin Ti ), alemán ( Venecia im Grau ), Inglés ( qué triste Venecia puede ser o Azul Veneciaportada de Bobby Darin ), y más notablemente en 1971 en italiano ( Com'è Triste Venezia ).

En 1964-1965 fue en las listas de éxito Top de Billboard (Francia, Río de Janeiro, Brasil, etc.), y fue un éxito internacional.

Catalán cantante Dyango registró Venecia Sin Ti en 1994, para muchos elogios.



Wind Of Change - Scorpions

«Wind of Change» es una canción de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions. 

Escrita en su totalidad por el vocalista Klaus Meine, fue incluida como la cuarta pista de su décimo primer álbum de estudio Crazy World, publicado en noviembre de 1990. Lanzado al año siguiente como el tercer sencillo del disco, obtuvo una excelente recepción dentro de las listas musicales, siendo número uno en veintiún países del mundo. Motivado por el éxito comercial y su significado para los países deEuropa Oriental, la banda grabó una versión en ruso llamada «Ветер Перемен» (pronunciado Veter peremen) y otra en español denominada «Vientos de cambio».

Es la power ballad más exitosa de la banda, tras superar el éxito conseguido con «Still Loving You» lanzado a mediados de la década anterior. Considerada como el «himno de la perestroika y el glásnost» por su letra sobre la paz y la reunificación del mundo tras el fin de la Guerra Fría, llegó a ser uno de los sencillos más exitosos de todos los tiempos.

En 2009, el medio escrito alemán Hamburger Abendblatt situó las ventas del sencillo en más de 14 000 000 de copias vendidas en todo el mundo. Además, desde el año 2006 «Wind of Change» es marca registrada en Alemania, inscrita por Klaus Meine junto a Rudolf Schenker.




Fuente texto: Wikipedia

All Out Of Love - Air Supply

"All Out of Love" es una balada pop por Air Supply, lanzado en 1980. 

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Llegó al número dos en Estados Unidos y número 11 en Reino Unido. La canción es considerada una de las canciones de amor más exitosas.

La canción ha sido presentada por numerosos artistas como Alan Tam, Andru Donalds, La banda americana Jagged Edge, La boy band Westlife de Irlanda, La banda irlandesa OTT, el cantante inglés Declan Galbraith, John Barrowman, el canadiense Mary Zilba y otros.

Detalles - Roberto Carlos

Roberto Carlos Braga (Cachoeiro de Itapemirim,19 de abril de 1941), conocido como Roberto Carlos, es un cantante y compositor brasileño, uno de los principales representantes de la MPB, y uno de los artistas latinos que más discos ha vendido en todo el mundo, más de 120 millones de copias.

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Roberto Carlos
Uno de los iconos más populares y reconocidos de la música brasileña en el mundo; nombrado en Brasil y en el resto de América Latina como «el rey de la música latina».

Aca una de las canciones mas renombradas de su carrera.

Detalles: los escritores son Roberto Carlos y Erasmo Carlos para Roberto Carlos. En español Detalles adaptación B. M. McCluskey en 1972.